Обмен учебными материалами


Венская классическая школа музыки



Венская классическая школа музыки

МУЗЫКА

Музыка Древнего мира и Средневековья

Музыка эпохи Возрождения

Музыка XVII—XVIII веков

Венская классическая школа музыки

Зарубежная музыка XIX века

Музыка России XIX века

Зарубежная музыка конца XIX — начала XX века

Музыка России конца XIX — начала XX века (Наталья Боровская)

Зарубежная музыка XX века

Музыка России XX века

Музыка России конца XIX- начала XX века

Театр

Что такое театр

Зарубежный театр

Русский театр

Кино

Что такое кино

Великий немой

Рождение звукового кино

В послевоенные годы

Кардиограмма современного кино

Об авторе сайта

Гостевая книга СКИТ Электронная библиотека СКИТ

ВЕНСКАЯ КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА МУЗЫКИ

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus - "образцовый")возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую школу. Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции - они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

КРИСТОФ ВИЛЛИБАЛЬД ГЛЮК(1714-1787)

С середины XVIII столетия на развитие европейской музыкальной культуры стал оказывать влияние классицизм. Произведение искусства должно было создаваться по строгим правилам и решать высокие нравственные проблемы. Итальянские операсериа и операбуффа этим требованиям не отвечали. По явление оперы, основанной на художественных принципах классицизма, связано с творчеством КристофаВиллибальда Глюка.

Кристоф Виллибальд Глюк.

Композитор родился в австрийском городке Эрасбах (недалеко от границы с Чехией) в семье лесничего. Музыкальное образование он получил в Праге. пел в церковном хоре, под руководством известных чешских музыкантов изучал теорию. Позже, уже в Милане, Глюк по знакомился с итальянской музыкой. Здесь он брал уроки у известного композитора и органиста Джованни Баттисты Саммартини (около 1700-1775); именно Саммартини научил его блестяще владеть оркестром. В Италии Глюк сочинил свои первые оперы (они были написаны в жанре оперысериа). Во время пребывания в Лондоне (1745 г.) Глюк встретился с Генделем, и музыка немецкого мастера произвела на него огромное впечатление. В составе оперной труппы композитор посетил многие европейские города. Наконец в 1752 г. он обосновался в Вене, а в 1754 г. получил место придворного композитора.К тому времени Глюк был автором известных опер, имел опыт работы в театре, глубоко знал итальянскую, французскую и немецкую оперные традиции. Постепенно композитор пришёл к мысли, что оперу необходимо изменить. Первыми операми, созданными по новым правилам, стали "Орфей и Эвридика" (1762 г.), "Альцеста" (17б7 г.), "Парис и Елена" (1770 г.). Глюк написал их на тексты итальянского поэта и драматурга Раньери да Кальцабиджи (1714-1795). Это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы. Прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Взгляды Глюка и Кальцабиджи на сюжет и развитие действия совпадали, что сделало их творческий союз плодотворным.

Загрузка...

Эскиз декораций к опере "Орфей и Эвридика". Художник В. Д. Поленов. 1897 г.

Для опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнения долга. Действующими лицами его произведений являлись обобщённые символические фигуры, олицетворявшие нравственные понятия - любовь, верность, само отверженность и т. д. В драматургии оперы ясно выражена связь с традициями античного театра - количество персонажей минимально, происходящее комментирует хор. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играют речитативы; они всегда звучат под аккомпанемент оркестра (в отличие от секко - речитативов опезы-сериа, которые сопровождались клавесином). Главная мелодическая линия проводится в ариях; композитор отказался от виртуозных приёмов и украшений, отвлекавших слушателей от содержания текста. Возросла роль оркестра - уже в увертюре были обозначены основные идеи.Произведения композитора получили признание в Вене, но полное понимание мастер надеялся найти в столице Франции, и в 1773 г. он от правился в Париж. Для французской сцены Глюк создал новые редакции "Орфея и Эвридики" и "Альцесты", написал такие оперы, как "Ифигения в Авлиде" (1774 г.; по трагедии французского поэта и драматурга Жана Расина) и "Ифигения в Тавриде" (1779 г.; по мотивам трагедии древнегреческого драматурга Еврипида). Оперы Глюка, имевшие в Париже большой успех, вызвали тем не менее ожесточённые споры. Общество разделилось на сторонников Глюка и его яростных противников. Композитора поддержали писатели и философы Дени Дидро, Жан Жак Руссо. Однако многие выступили против новшеств - они отстаивали традиционные принципы французской оперы в духе Люлли и Рамо и итальянской оперысериа. Противники Глюка даже вызвали в Париж в 1776 г. известного итальянского композитора Никколо Пиччинни и добились постановки его опер. Разгорелась так называемая "война глюкистов и пиччиннистов", вызвавшая много споров в парижском обществе. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев. Творческие принципы композитора приобрели немало приверженцев, но ни один из них не обладал таким же ярким дарованием, поэтому опыт венского мастера можно считать уникальным и не имеющим прямого продолжения. Однако к идее о ведущей роли поэтического текста обращались многие музы канты, в частности немецкий компо зитор Рихард Вагнер.

ЙОЗЕФ ГАЙДН (1732-1809)

О музыке Йозефа Гайдна - одного из основателей венской классической школы - его друг и младший современник Вольфганг Амадей Мо царт писал: "Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн". С творчеством Гайдна связан рас цвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая утерянных), струнный квартет (восемьдесят три), клавирная соната (пять десят две); большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке.

Йозеф Гайдн.

Родился Франц Йозеф Гайдн в деревне Рорау (Австрия) в семье каретного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору приходилось зарабатывать на жизнь перепиской нот, игрой на органе, клавире и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исключён из капеллы. Только через четы ре года он нашёл постоянную работу - устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкаль ное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию.

Дом, где родился Йозеф Гайдн. Рорау.

В 1761 г. Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководи теля капеллы почти тридцать лет. В 1790 г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это да ло мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90х гг. Гайдн подолгу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по до стоинству оценили современники - композитор стал обладателем мно жества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют "отцом" симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной му ыки.

Титульный лист партитуры оратории "Времена года". Германия. 1801 г.

В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким об разом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первона чальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта осо бенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях рит мика третьей части - менуэта - нарочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие по пытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна Девяносто четвёртая симфония (1791 г.). В середи не второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр - чтобы слушатели "не скучали". Не случай но произведение назвали "С боем литавр, или Сюрприз". Гайдн нередко использовал приём звукоподражания (поют птицы, бродит по ле су медведь и т. п.). В симфониях композитор часто обращался к на родным темам, в основном к славянским - словацким и хорватским.

Автограф партитуры симфонии Йозефа Гайдна.

Представителям венской клас сической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде компо зиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра - яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую си стему, которая подчинялась правилам инструментовки. Правила эти основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого - не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра. Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории ("Сотворение мира", 1798 г.; "Времена года", 1801 г.).

СИМФОНИЯ

Наиболее сложная форма инструментальной музыки - симфония (греч. "созвучие"). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья - контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu - "мелкий"), распространённого салонного таниа XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от иг. scherzo - "шутка") - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть - финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

СОНАТНАЯ ФОРМА

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма - это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная - либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа - экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от фр. expose - "изложение"). Главная звучит в основной тональности (которая и определяет наименование тональ ности всего сочинения, например Симфония до мажор), побочная обыч но излагается в иной тональности - между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя "сопернице" полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменять характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre - "возобновлять", "повторять") темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако по бочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза - итог сложного пути, к которому темы при ходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе - коле (от иг. coda - "хвост"), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфо нии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале. СОНАТАОдин из главных жанров инструментальной музыки - соната (ит. sonata, от sonare - "звучать"). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья - финал, исполняемый в быстром темпе, - подводит итоги и окончательно определяет обший характер произведения.

Назад Далее

function setCookie(name, value) { var expires=60*60*1; var path="/"; var domain=".boom.ru"; var todaydate=new Date(); var expdate=new Date(todaydate.getTime()+expires*1000); var curCookie = name + "=" + escape(value) + "; domain=" + domain + "; expires=" + expdate.toGMTString() + ((path) ? "; path=" + path : ""); return curCookie; } function getCookie(name) { var prefix = name + "=" var cookieStartIndex = document.cookie.indexOf(prefix) if (cookieStartIndex == -1) return ""; var cookieEndIndex = document.cookie.indexOf(";", cookieStartIndex + prefix.length) if (cookieEndIndex == -1) cookieEndIndex = document.cookie.length return unescape(document.cookie.substring(cookieStartIndex + prefix.length, cookieEndIndex)) } var posX = 100; var posY = 200; var cook=getCookie("b15318"); if (!cook) { document.cookie=setCookie("b15318"); window.open("http://win.mail.ru/cgi-bin/banner?id=1229", "Popunder15318", "menubar=no,resizable=no,width=500,height=200,toolbar=no," + "screenX="+posX+",screenY="+posY+",left="+posX+",top="+posY); self.focus(); }

Венская классичекая школа музыки

МУЗЫКА

Музыка Древнего мира и Средневековья

Музыка эпохи Возрождения

Музыка XVII—XVIII веков

Венская классическая школа музыки

Зарубежная музыка XIX века

Музыка России XIX века

Зарубежная музыка конца XIX — начала XX века

Музыка России конца XIX — начала XX века (Наталья Боровская)

Зарубежная музыка XX века

Музыка России XX века

Музыка России конца XIX- начала XX века

Театр

Что такое театр

Зарубежный театр

Русский театр

Кино

Что такое кино

Великий немой

Рождение звукового кино

В послевоенные годы

Кардиограмма современного кино

Об авторе сайта

Гостевая книга СКИТ Электронная библиотека СКИТ

ВОЛЬФГАНГ АМАДЕЙ МОЦАРТ (1756-1791)

Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека ("Буря и натиск", отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Вольфганг Амадей Моцарт.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт - музыкант капеллы архи епископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавеси ном, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровиза тор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать со здал первую оперу "Аполлон и Гиа цинт", а в четырнадцать уже дирижи ровал в театре Милана на премьере собственной оперы "Митридат, царь Понтийский". Примерно в это же время его избрали членом Филармо нической академии в Болонье.

Дом, где родился Вольфганг Амадей Моцарт. Зальцбург.

Как и многие музыканты той эпо хи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781 гг.) - был кон цертмейстером и органистом у ар хиепископа города Зальцбург. Одна ко независимый характер мастера (особенно когда дело касалось музыки) вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781 г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром).

Леопольд Моцарт со своими детьми.

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.

Моцарт не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы - новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую - появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие - в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа. В отличие от Глюка, который предпочитал мифологические сюжеты, Моцарт часто обращался к литературным источникам.

Рояль Вольфганга Амадея Моцарта.

Так, опера "Свадьба Фигаро" (1786 г.) написана по пьесе французского драматурга Пьера Огюсте на Бомарше "Безумный день, или Женитьба Фигаро", которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы - любовь, что, впрочем, мож но сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения - всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и в конце концов одураченному аристократу) вызывает сочувствие ав тора - совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых.

Титульный лист партитуры оперы "Дон Жуан". Первое издание. Франкфурт-на-Майне. 1801 г.

В опере "Дон Жуан" (1787 г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами (отношения Дон Жуана с деревенской девушкой Церлиной, благородной дамой Донной Анной) и жанрово-бытовыми элементами (поведение Лепорелло, незадачливого слуги главного персонажа). Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок "Весёлая драма". Казалось бы, в финале справедливость торжествует - порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти. Философская сказка-притча "Волшебная флейта" (1791 г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения - неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы - Тамино и Памина подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.

Сцена из спектакля "Волшебная флейта". Гравюра. 1794 г.

Моцарт (опять же в отличие от Глюка) главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия, то напыщенно-важные аккорды сменятся шустрыми пассажами. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа, при том что свои реплики они часто поют на одну и ту же музыку.

Будучи представителем венской классической школы, Моцарт, как и Гайдн, большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии - Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая ("Юпитер"), созданные в 1788 г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы (Моцарт одним из первых стал использовать эту форму для медленных частей). Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы. Именно симфонии близки по духу к немецкому литературному движению "Буря и натиск". Его представители, в частности Иоганн Вольфганг Гёте и Иоганн Фридрих Шиллер, стремились изображать сильные чувства, душевное смятение, героические поступки и характеры. Многие исследователи сравнивали Сороковую симфонию Моцарта с романом Гёте "Страдания молодого Вертера". Симфония во многом предвосхитила традиции симфонической музыки эпохи романтизма.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта - соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь - для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других - драматизм и эмоциональные контрасты. Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии - так называют музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме. Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта - отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791 г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Полна скорби сдержанная первая часть - "Вечный покой", поражает силой и суровой энергией "День гнева". Музыка завершающей строфы "Дня гнева" передаёт состояние чистой печали, проникающей в самые глубины человеческой души. Эту часть называют "Лакримоза" ("Lacrimosa") по первым словам текста: "Слезным будет этот день" ("Lacrimosa dies ilia").При создании реквиема Моцарт использовал опыт, приобретённый в работе над операми, и достижения предшественников (в частности, приёмы полифонии Баха). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические - прежде всего "Господи, помилуй!" ("Kyrie eleison") - олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема - страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия.

Мастер так и не успел дописать реквием; он был доработан по наброскам композитора его учеником Францем Ксавером Зюсмайром (1766-1803). Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

РЕКВИЕМ

Реквием (отлат. requies - "отдохновение", "покой") - заупокойная месса на канонический латинский текст. Название месса получила по первому слову своей начальной части: "Вечный покой даруй им, Господи" ("Requiem aeternam dona eis, Domine"). Музыка обычно передаёт скорбь, погружённость в размышления о смерти и загробном бытии души. Структура реквиема не точно повторяет мессу. В нём отсутствуют песнопения "Слава" ("Gloria") и "Верую" ("Credo"), но появляются другие: вступительная часть "Вечный покой" ("Requiem aeternam"); центральная часть заупокойной службы, посвящённая предстоянию души на Страшном суде, - "День гнева" ("Dies irae"); финальное песнопение "Избавь меня, Господи, от вечной смерти" ("Libera me Domine ad morte aeternam", сокращённо "Libera me").

Титульный лист партитуры реквиема Вольфганга Амадея Моиарта. Лейпииг. XIX в.

Реквием окончательно сложился в эпоху Возрождения (XV в.), но отдельные части возникли раньше. Со временем реквием разделил судьбу мессы - превратился в самостоятельный музыкальный жанр.

ФОРТЕПИАНО: ОТ КЛАВЕСИНА ДО РОЯЛЯ

Клавишные струнные музыкальные инструменты - пианино и рояль - называют одним словом "фортепиано" (от ит. forte - "громко" и piano - "тихо"). Своим происхождением они обязаны псалтерию (греч. "псалтерион", от "псалло" - "перебираю струны") - многострунному шипковому инструменту, распространённому в древности и в Средневековье. Корпус у него был треугольный или прямоугольный. В XVI в. псалтерий усовершенствовали: присоединили клавишный механизм. Так появился клавесин (фр. clavecin, от лат. clavis - "ключ"). Он имел струны разной длины, и каждая соответствовала определённой клавише. При нажатии на клавишу гусиное перо заиепляло струну, и раздавался отрывистый музыкальный звук. Звук был слабым, и, чтобы его усилить, стали применять двойные и тройные струны. Со временем изобрели специальное приспособление для зашипывания струн - плектр.

Рояль.

На рубеже XVII-XVIII вв., чтобы разнообразить звучание, изобрели клавесин с двумя и тремя клавиатурами, или мануалами (от лат. manus - "рука"). "Голос" одного мануала был громче, другого - тише. Этот инструмент (и его разновидности) назвали клавесином во Франции. В Италии он получил другое имя - чембало, в Англии - вёрджинел, в Германии - кильфюгель и т. д. Клавесинную музыку писали многие композиторы конца XVII-XVIII вв.

Вёржинел.

В XV-XVIII столетиях существовал родственный клавесину инструмент - клавикорд (от лат. clavis - "ключ" и греч. "хорде" - "струна"). Сначала он представлял собой прямоугольный яшик, который при игре клали на стол. Внутри укреплялись струны. При нажатии клавиш мангеты (металлические штифты с плоской головкой) касались струны и как бы делили её на две части - одна свободно вибрировала и таким образом издавала звук, другая была заглушена. По сравнению с несколько "жёстким" клавесином клавикорд обладал более гибким, тёплым, мягким звуком; особые способы звукоизвлечения позволяли достичь нежной вибрации, которую обычно невозможно получить на клавишных инструментах. Аля усиления звука, как и в клавесине, применяли двойные и тройные струны.

Клавесин.

Над усовершенствованием клавесина и клавикор-да работали мастера во многих странах. В начале XVIII в. независимо друг от друга в Италии, во Франции и в Германии три мастера (соответственно Барто-ломео Кристофори, 1711 г.; Жак Мариус, 1716 г.; Готт-либ Шрётер, 1721 г.) изобрели фортепиано. Инструмент с вертикальным корпусом назвали пианино (ит. pianino - "маленькое фортепиано"), а с горизонтальным крыловидным корпусом - рояль (от фр. royal - "королевский"). По сравнению с клавесином пианино и рояль обладали более ярким и сильным звуком.

Клавикорд.

Одними из первых композиторов, оценивших достоинства новых инструментов, были Вольфганг Амадей Моиарт и Людвиг ван Бетховен. Однако всеобщее признание пианино и рояль получили только в XIX- XX вв., когда композиторы, изучив их выразительные возможности, стали сочинять произведения для фортепиано. Развитию фортепианной музыки во многом способствовало появление в XIX в. аристократических салонов и публичных концертов, куда приглашали таких известных пианистов-виртуозов, как Фридерик Шопен, Ференц Лист и др.

Пианино.

Назад Далее

function setCookie(name, value) { var expires=60*60*1; var path="/"; var domain=".boom.ru"; var todaydate=new Date(); var expdate=new Date(todaydate.getTime()+expires*1000); var curCookie = name + "=" + escape(value) + "; domain=" + domain + "; expires=" + expdate.toGMTString() + ((path) ? "; path=" + path : ""); return curCookie; } function getCookie(name) { var prefix = name + "=" var cookieStartIndex = document.cookie.indexOf(prefix) if (cookieStartIndex == -1) return ""; var cookieEndIndex = document.cookie.indexOf(";", cookieStartIndex + prefix.length) if (cookieEndIndex == -1) cookieEndIndex = document.cookie.length return unescape(document.cookie.substring(cookieStartIndex + prefix.length, cookieEndIndex)) } var posX = 100; var posY = 200; var cook=getCookie("b15318"); if (!cook) { document.cookie=setCookie("b15318"); window.open("http://win.mail.ru/cgi-bin/banner?id=1229", "Popunder15318", "menubar=no,resizable=no,width=500,height=200,toolbar=no," + "screenX="+posX+",screenY="+posY+",left="+posX+",top="+posY); self.focus(); }


Последнее изменение этой страницы: 2018-09-12;


weddingpedia.ru 2018 год. Все права принадлежат их авторам! Главная